Comment le dessin peut améliorer vos compositions

Je l’ai déjà dit par le passé, mais s’intéresser à l’image d’une manière générale et aux autres arts graphiques en particulier peut vous apporter un vrai plus en photographie. C’est pourquoi j’ai décidé d’accueillir un autre blogueur invité qui est plus dessinateur que photographe, et qui nous apporte sa vision très intéressante et bien illustrée sur l’apport du dessin à la composition. Composition qui est aussi essentielle (si ce n’est plus) en photo qu’en dessin. Je lui laisse donc la parole. Je m’appelle Roy Pallas, je suis l’auteur du blog “le dessin”, dans lequel je partage mon expérience et mes conseils de motivation. Étant donné que la photographie a puisé dans les arts antérieurs pour créer ses codes, il semble évident qu’apprendre (un peu) à connaitre la peinture et le dessin ne peut qu’être profitable aux amateurs d’images instantanées. Pour cette intervention sur le blog de Laurent, j’ai décidé de partager avec vous quelques principes de compositions utilisés en dessin.

La nature, cet artiste…

La nature est d’une richesse infinie en contours et en espaces. Les formes que l’on peut observer dans la nature sont la base de l’approche illustrative et créative d’Andrew Loomis. Ce dernier est un fameux illustrateur qui a rédigé des ouvrages très pédagogiques sur l’apprentissage du dessin dont vous verrez quelques extraits dans cet article. (Note de Laurent : ouvrage tombé dans le domaine public 😉 ) Si vous examinez un paysage, vous verrez que les formes se croisent, se suivent, se chevauchent… Cadrer cet espace (avec un appareil photo par exemple) permet de révéler cette harmonie des lignes qui composent l’environnement. Un petit exercice simple à réaliser pour apprendre à repérer ces courbes est de les tracer sur vos images. De cette manière vous aiguiserez votre œil et aurez un sens de l’observation plus précis. Vous pouvez aussi rechercher dans le paysage des éléments qui ressemblent à des lettres alphabétiques ou à d’autres symboles pour rendre vos compositions plus organisées.

La recherche de l’équilibre

Pour qu’une image soit agréable à l’œil, elle a besoin d’équilibre. Le souci c’est d’obtenir cette harmonie sans avoir recours à des axes de symétrie rigides et purement géométriques. Donc comment obtenir une image qui semble équilibrée avec des courbes par exemple ? Je dois vous dire que l’équilibre est en fait affaire de jugement relatif. Il ne tient qu’à nous de décider si on doit déplacer une forme, la placer dans un espace moins contraint, plus aéré ou si elle doit chevaucher un autre élément dans l’image… Néanmoins il y a certaines règles que l’on applique dans un dessin qui peuvent servir à faire des clichés harmonieux. Une qui a son importance, c’est de ne pas avoir deux éléments identiques sur le même plan (préférez plutôt un nombre impair) qui se chevauchent ou qui soient juxtaposés. Si vous avez deux éléments identiques, essayez dans la majeure partie des cas, de les disposer dans chaque coin de l’image. Entre deux formes de hauteur et de largeur différentes, on veille à bien laisser l’espace entre les deux en aérant le centre de l’image. La ligne médiane de l’image est comme le point d’équilibre d’une balance et chaque forme doit être disposée de part et d’autre de cette dernière.

Attention tout de même à ne pas tomber dans ce piège…

Si vous utilisez une perspective géométrique, vous pouvez mettre un personnage à «la place d’honneur», c’est-à-dire le point de convergence des lignes fuyantes. Se faisant, c’est un peu comme si tout le paysage convergeait vers lui. Du coup, il occupera toute l’attention. Mais par contre veillez à ne pas commettre cette erreur qui est de placer le point de fuite et le personnage en plein milieu de votre image. Comme l’a expliqué votre rédacteur régulier Laurent (note : dans l’article sur la règle des tiers par exemple), une photographie symétrique est ennuyeuse, il en est de même dans un dessin. Préférez utiliser une des dispositions ci-dessous à la place.

Comment circule le regard dans une image

C’est tout l’enjeu de la photographie, de la peinture et du dessin. Autant dire que le cheminement du regard dans une image est important. Et pour cause ! Le chemin que prendra le regard du spectateur déterminera pour beaucoup comment il va s’approprier votre image et comprendre (ou non) ce que vous voulez faire passer à travers elle. Dans une bonne composition, l’œil doit pouvoir faire un cheminement précis entre les éléments de l’image. Dans celle-ci par exemple, le personnage se trouve à l’extérieur, sur une plateforme sans relief, du coup l’image est très aérée et les lignes de construction sont très visibles. Néanmoins on peut aussi rendre cette image moins monotone en y ajoutant des « obstacles au regard », des zones de hors-champ.   En général, le regard entre dans une image par le premier plan (donc par le bas) et ressort par l’arrière plan. Mais ici, les buissons constituent des obstacles au regard. L’œil suit le chemin jusqu’au personnage et au moment où il s’apprête à sortir de l’image. Hop ! Une branche avec des feuilles lui fait faire demi-tour pour revenir une fois de plus vers la zone de la maison avant de sortir par le haut.   Sur ce dernier exemple, l’œil rentre toujours par le bas. Il arrive sur le bateau. Il fait un détour vers le petit ponton ou alors s’arrête sur les montagnes. Il continue son ascension, fait une observation des oiseaux puis sort de l’image. Vous remarquez que le sujet principal (le personnage et sa barque) est le centre d’attention pendant un petit instant. Cette attention est ensuite reportée sur les reliefs du paysage en arrière plan. En même temps que ceux-ci poussent le regard à sortir par l’espace ouvert, ils succèdent au premier sujet de la photographie (la petite barque). Les zones importantes de l’image se succèdent grâce à l’enchainement des différents plans.  

Des exceptions sinon ce serait ennuyant !

La règle de la sortie du regard par le haut n’est pas toujours vraie. Il y a des exceptions et en voici une en peinture.

La dentelière de Vermeer.

Pourquoi Vermeer ? Les spécialistes s’accordent à dire qu’il utilisait une chambre noire pour peindre ses sujets. C’est donc un artiste qui a un rapport direct avec le procédé photographique pour composer ses tableaux. C’est aussi un peintre que j’aime particulièrement. Il n’a pas produit énormément de tableaux de son vivant et sa vie est à l’image de ses toiles : énigmatique. Vermeer a peint quelques vues de Delft mais la majorité de ses sujets sont des scènes d’intérieur. Un environnement clos, avec très peu d’éléments habilement placés pour orienter le regard du spectateur. Et ce, tout en donnant une impression de concentration qui émane de cette femme en plein travail. Démonstration. L’œil entre par le premier plan du tableau (au passage vous pourrez remarquer l’imprécision du geste utilisé pour rendre les filaments du coussin), il remonte le long du bras de la jeune femme, passe par le coin de son visage pour finir par arriver aux mains qui tiennent le fil. Comme éventuelle porte de sortie, Vermeer a utilisé le bout de la table de travail et la fait descendre jusqu’en bas du tableau. Notez la précision avec laquelle le fil à été peint contrairement à l’environnement.   Voilà, j’ai fait un tour des notions les plus importantes et des plus simples à retenir en ce qui concerne la composition d’une image. Je ne vous cache pas qu’il y a encore beaucoup de choses à dire sur le rapport entre la photographie et les arts picturaux/graphiques. Proust a dit une chose que j’aime beaucoup, “Le seul véritable voyage n’est pas d’aller vers d’autres paysages, mais d’avoir d’autres yeux.” J’espère donc que le périple que je vous ai proposé à travers mes domaines de prédilection vous a plu et vous apporte un nouveau regard pour vos futurs clichés.