Comment mettre l’esthétique de votre photo au service de votre histoire ?

Avez-vous déjà regardé des images de photographes renommés et eu envie de vous en inspirer ?

Probablement oui, et c’est tout à fait normal ! C’est même le processus normal d’apprentissage de la photographie. Il nous faut nous nourrir de beaucoup de beau pour ensuite être capable de l’exprimer à notre façon sous forme créative. Mais la frontière entre l’inspiration et la copie est parfois fine, et nous avons tous un jour ou l’autre voulu à tout prix reproduire un style de composition ou de post-traitement. Oui, mais au fond quel mal à ça ? Les peintres novices recopiaient eux aussi les tableaux des grands maîtres pour progresser et ensuite s’exprimer pleinement…  

Je suis Clément Belleudy, photographe et passionné de montagne, où je passe du temps pour y vivre des aventures. J’ai commencé la photo il y a dix ans en lisant le blog de Laurent. Et comme beaucoup, j’ai eu ma phase où j’essayais de reproduire un peu trop le rendu des images de photographes que j’admirais. Ou des images que j’avais vues sur les réseaux sociaux, notamment commerciales. Et j’étais frustré à plusieurs niveaux : ne n’arrivais pas à faire mieux que l’original (sans surprise !) et surtout je ne me faisais plus plaisir en photographiant. “Il faut que mes photos aient des couleurs éclatantes. Il faut que ma règle des tiers soit respectée. Il faut que mon contraste soit prononcé “. Il faut, il faut, il faut ! Bref, vous l’avez compris, j’étais passé du côté obscur de la photo 🙂 

Le temps a passé, et je pense maintenant que la composition et le post-traitement ne sont que des outils au service de votre intention et de l’histoire que vous voulez raconter. Il faut photographier avec vos tripes pour transmettre vos émotions ! Voyons donc à travers plusieurs photos comment les choix esthétiques peuvent être au service d’une histoire, d’une idée.

Suggérer l’immensité

Dans cette image, en haut d’un sommet du Massif des Écrins, j’avais été frappé par l’immensité du paysage, digne du roman “Le Monde Perdu” de Jules Verne. Ici, vous trouveriez presque normal de voir surgir un ptérodactyle devant nous dans un cri strident 🙂

Quand nous voyons un paysage, nos deux yeux nous permettent de percevoir cet effet de profondeur. En deux dimensions sur une photo, c’est plus délicat. Inclure un premier plan ici permet à notre cerveau de reconstituer cet effet 3D. 

Aussi, l’aspect acéré des rochers du premier plan me semblait bien renforcer le caractère sauvage du lieu. Vous avez bien remarqué la nuance ici entre “le premier plan me permet de faire ressentir l’effet de profondeur et de sauvagerie du lieu au spectateur” plutôt que  “il faut un premier plan dans cette photo”. Un autre choix aurait été possible, cela dépend de l’histoire que vous voulez montrer.

Créer le mouvement 

Cette image est celle de deux amis en skis de randonnée qui progressent en plein hiver en montagne. Il avait beaucoup neigé les jours d’avant et faire la trace dans la neige profonde demandait de l’énergie. Ici, pour suggérer qu’ils avançaient, j’ai inclus un espace vide à droite devant eux. Et pour aider le spectateur à bien se représenter le mouvement du skieur, la rafale a permis d’isoler le geste le plus évocateur. Au post-traitement, pour garder cet effet de mystère et d’isolement, j’ai préféré augmenter assez peu le contraste et la netteté du paysage pour garder cet effet de brume. Eh non, pas de contraste fort cette fois-ci !

Et enfin, j’ai conservé une balance des blancs assez froide pour faire frissonner les spectateurs. L’entendez-vous ce craquellement de la glace qui se forme ? 🙂 

Rendre le sentiment de hauteur

Parfois nous hésitons entre le format portrait ou paysage. Là aussi, l’intention photo est votre amie car elle va vous aider à prendre la décision. Cette photo est prise sur une arête rocheuse en haute montagne. Alors que je grimpais, j’ai aperçu ce guide et son client en haut de ce gendarme, comme suspendus en plein ciel. Comment faire pour mettre en valeur au mieux cet aspect aérien qui m’avait marqué ?

En voici trois (mais il y en sûrement d’autres possibles !) :

• Placer le guide en haut du cadre et laisser le maximum d’espace sous lui pour renforcer le sentiment de hauteur et de vide
• Rehausser légèrement la saturation du pantalon orange pour attirer l’œil du spectateur sur les personnages (sujets de la photo).
• Centrer le gendarme rocheux, pour renforcer son aspect effilé presque symétrique dans la photo. Les lignes verticales du rocher sont majoritaires dans l’image, ce qui incite aussi à choisir le format portrait.

Exclure pour retrouver l’histoire 

Récemment j’ai lu l’excellent livre “l’œil du photographe” de John Szarkowski (regardez la présentation ici). Un paragraphe m’a marqué particulièrement: 

“Une fois sorti de son studio, le photographe ne pouvait pas reprendre à son compte les stratagèmes du peintre. Il ne pouvait pas mettre en scène une bataille, comme Uccello ou Velasquez […], il ne pouvait pas non plus réorganiser les différentes parties de son tableau pour obtenir une composition qui lui plaise davantage.

De la réalité à laquelle il se trouvait confronté, il ne pouvait que choisir le fragment qui lui semblait pertinent et cohérent, et qui pouvait tenir sur sa plaque“.

J’ai trouvé cette mise en regard du peintre et du photographe très parlante. Autrement dit, “la Photographie est l’art de l’exclusion“, comme le dit le photographe David DuChemin. Nous sommes ici incités à exclure du cadre les éléments qui ne contribuent pas à renforcer l’histoire de notre photographie.

Que faire de ces ombres ?

Lorsqu’on dort à l’extérieur, les animaux le remarquent. Nous nous croyons en pleine nuit noire, alors qu’en réalité nous illuminons les alentours avec nos lampes électriques.

Cette photo de bivouac, quelque part dans les Alpes, tente de raconter cette histoire. J’ai fait le choix d’éclaircir légèrement les zones sombres de la montagne pour créer cette impression. Cette intention me rend donc un sacré service, pour choisir parmi une infinité de choix de post-traitement ! J’aurais certes pu choisir de rendre la montagne totalement sombre en ombre chinoise, et l’histoire transmise aurait été différente.

Cette dernière solution de post-traitement, je l’ai optée pour une autre photo d’alpinistes se tenant sur un col au lever du jour. Dans cette image, l’important est de montrer le contraste de taille entre les deux petits humains et la montagne gigantesque. La montagne possède ici une forte masse visuelle et cela donne une vulnérabilité aux personnages. Dans ce cas, voir le détail de la texture de la roche ne sert pas l’histoire. Et cela pourrait même avoir un effet contre-productif, en attirant l’œil sur cette texture, au détriment des personnages. Le spectateur a juste besoin de comprendre qu’il s’agit de roche, et la lumière sur l’arête est suffisante pour ça.

Maîtriser le chemin de l’œil de vos spectateurs

Comme vous avez déjà pu le lire sur le blog, attirer l’œil là où vous le souhaitez est la base de la composition d’image, et non de la sorcellerie ! Posez-vous la question “où va mon œil, est-ce voulu ?” Dans les deux clichés suivants, l’histoire à transmettre nécessite d’attirer l’œil quelque part tout de suite, ou de lui faire suivre un chemin bien particulier. Analysons donc ces deux cas d’hypnose pour le spectateur !

Que fait cet humain sur une cascade de glace ?

Grimper une cascade de glace, ce milieu à la fois hostile et magnifique, quelle idée farfelue ! L’humain n’est pas forcément bienvenu dans de tels lieux. Sur cette cascade de glace des Hautes-Alpes, j’avais envie de mettre en évidence le grimpeur dans cet environnement austère. Pour que le spectateur voit tout de suite le grimpeur, puis l’environnement et se dise ” whaou, mais qu’est-ce qu’il fait là ?”. Il fallait donc attirer l’œil précisément sur le grimpeur d’abord. Heureusement, la scène offrait deux outils à exploiter pour ça :

• L’arche naturelle de rocher : cadre sombre qui incite l’œil à rentrer dans l’image. Cette arche sombre neutralise aussi tout élément parasite en bord de cadre qui pourrait attirer l’œil de manière involontaire.
• La veste orange du grimpeur, qui attire fortement l’œil, d’autant plus que c’est le seul ton saturé de l’image. 
• La glace est blanche, le contraste avec le grimpeur est fort : ainsi, celui-ci se détache bien.

Donc une des astuces à retenir est de demander à vos amis de porter une veste de couleur vive (jaune, rouge !) si vous voulez les photographier dans la nature 🙂 

Regarde, cette personne descend dans un livre ouvert !

Cela vous est-il déjà arrivé d’imaginer un objet ou un animal à partir d’une forme naturelle (nuage, rocher…) ? C’était le cas ici, lors d’une descente en rappel après une aventure en montagne. J’avais l’impression que mon ami descendait littéralement au milieu un livre ouvert !

Donc j’avais besoin que le spectateur voit ce livre, puis que son regard aboutisse au personnage. Ici, la chance était de mon côté car des lignes évidentes partant du bord du cadre guident le regard. Ces mêmes lignes sont aussi le contour du livre. Bien. Votre regard suit ces lignes formées par le rocher et la corde, jusqu’au personnage.

Vous pouvez essayer de trouver des lignes convergentes qui guident le regard où vous voulez dans votre image (le cas classique étant les lignes de fuite d’une route rectiligne).

Le mot de la fin

Dans cet article, nous avons vu ensemble des cas concrets de photos où les choix de composition et de post-traitement sont au service de l’histoire, au service de l’intention photo ! 

Ces photos ne sont pas les meilleures du monde. L’important pour moi, c’est qu’elles soient les plus cohérentes possibles avec l’histoire qu’elles sont censées raconter. Si vous avez cette obsession, c’est la bonne manière pour que les gens se sentent dans vos photos, et s’en souviennent longtemps. C’est aussi une manière d’être plus serein et motivé en photo, car vous cessez de croire que c’est en plaquant un rendu que vous allez faire des photos qui vous plaisent.

Il y a une phrase du grand Ansel Adams [photographe américain du siècle dernier, surtout connu pour ses images de l’ouest américain] que je chéris beaucoup, et qui va vous parler ici : 

“Il n’y a rien de pire qu’une photo nette d’une idée floue”.

Ansel Adams

Donc à chaque fois que vous commencez à appliquer des règles de composition de manière rigide, à bouger froidement et machinalement des curseurs dans Lightroom, à vouloir reproduire exactement une photo que vous avez vue autre part, arrêtez tout et repensez à la phrase de ce cher Monsieur Adams. Ainsi vous retrouverez la fougue et le plaisir de photographier 🙂 Story first !

Quelques petites dernières précisions. Tout d’abord, le langage photographique reste une science empirique, ce qui veut dire que la clé est d’expérimenter. Ce processus d’expérimentation (essai, analyse, nouvel essai un peu différent) va vous permettre d’aboutir à une expression claire de votre intention. Il est faux de croire qu’on aboutit à ce résultat du premier coup. Plein de photographes vous le diront ! Pour chacune des photos de cet article, j’ai pris plusieurs clichés et fait plusieurs essais de post-traitement avant d’aboutir à un résultat qui me convenait.

Si vous suivez ce processus d’expérimentation, vous aurez beaucoup d’images, et il va falloir les trier. Car lorsque vous allez trouver la meilleure expression de votre intention dans une photo, vous ne voulez pas qu’elle soit amoindrie par une demi-douzaine de photos similaires. Nous connaissons cela, quand un proche veut nous montrer les 367 photos de son week-end ! Donc n’oubliez pas de trier efficacement vos photos avant de les dévoiler au monde.

Et enfin, souvent nous sommes stressés de ne pas réussir à avoir une histoire suffisamment intéressante à raconter. Vous voyez que dans les 8 photos présentées, l’histoire est très simple, rien de hautement intellectuel. En fait, il serait plus juste de ne pas utiliser le mot histoire et de le formuler ainsi : “faire des photos qui disent quelque chose” (tout est dans cet article).

Cela m’intéresserait beaucoup que vous me disiez en commentaire si vous aussi, vous avez déjà souffert de la tyrannie des règles photo “il faut que… ”, et comment vous vous en êtes sorti. Ou partagez-moi une photo où vous avez repris le contrôle de ces règles pour dire quelque chose !

Clément Belleudy

Je connais Laurent depuis le tout début d’Apprendre.Photo. Depuis 2020, je lui prête main forte sur la création de contenu, et comme apprendre est plus efficace en s’amusant, j’ai à cœur de créer des contenus pédagogiques et plaisants à lire, sans jamais trop se prendre au sérieux !